Студопедия

Главная страница Случайная лекция

Порталы:

БиологияВойнаГеографияИнформатикаИскусствоИсторияКультураЛингвистикаМатематикаМедицинаОхрана трудаПолитикаПравоПсихологияРелигияТехникаФизикаФилософияЭкономика






Вопрос 71. Комбинаторные методы проектирования: комбинаторика, трансформация, кинетизм, метод модульного проектирования, метод деконструкции

Читайте также:
  1. B. Искусственная вентиляция легких. Методики проведения искусственной вентиляции легких
  2. IFRS 13 «Оценка по справедливой стоимости»: сфера применения стандарта, методы определения справедливой стоимости.
  3. II) Методы теоретического уровня научного познания
  4. II. Проблема источника и метода познания.
  5. III ИНФОРМАЦИОННО-МЕТОДИЧЕСКАЯ ЧАСТЬ
  6. III. Борьба за разрешение восточного вопроса.
  7. III. Предмет, метод и функции философии.
  8. IV. Формы занятий и методика преподавания
  9. VI. Учебно-методическое и информационное обеспечение дисциплины
  10. VI. Учебно-методическое и информационное обеспечение дисциплины (модуля)

 

Комбинаторные методы в проектировании одежды впервые применили в 1920-х гг. советские конструктивисты А. Родченко, Л. Попова, В. Степанова. Освоив системный структурный анализ, а также занимаясь «формальными экспериментами» в области беспредметной живописи, конструктивисты использовали эти методы и при разработке образцов одежды. Основные принципы конструктивистов: конструктивность, функциональность, экономичность материалов и конструкций. При проектировании производственной одежды они применяли программированные методы формообразования нескольких уровней: комбинирование стандартных элементов из набора простейших геометрических форм (конструктивистские ткани), комбинирование различных видов декора на основе базовой формы, трансформацию одежды в процессе эксплуатации, комбинирование стандартных готовых объектов. А также упростить существующую вещь, т.е., снять с нее украшения, выявить конструкцию, убрать неработающие части. Улучшить существующую вещь – сделать ее более удобной, может быть многофункциональной, по-новому решить цвет и материал. Впоследствии программированные методы формообразования стали не только ведущими методами при проектировании костюма, но и легли в основу графических компьютерных программ.

Комбинаторные методы являются основными методами проектирования с применением комбинирования. К ним относятся комбинаторика, трансформация, кинетизм, создание безразмерной одежды, создание одежды из целого плоского куска ткани.

Комбинаторика(от лат. Combinare- соединять, сочетать, от com-bino – связанные по два) - метод формообразования в дизайне, основанный на поиске, исследовании и применении вариантного изменения пространственных, конструктивных, функциональных и графических структур, а также на способах проектирования объектов дизайна из типизированных элементов.

Комбинаторика – комбинирование различными способами форм и их элементов или вариантный поиск, который можно подразделить на ряд основных приемов:

· Комбинирование элементов на плоскости при создании текстильных композиций, раппортных тканей или трикотажных полотен;

· Комбинирование типизированных стандартных элементов (модулей) при создании целостной формы;

· Комбинирование деталей, пропорциональных членений внутри определенной формы (по одной конструктивной основе или базовой форме);

· Компьютерный поиск готовых вариантов организации готовых комплектов.

Математический смысл комбинаторного метода заключается в установлении определенного порядка следования элементов некоторого множества друг за другом.

Специфика комбинаторики близка к природному формообразованию: дает возможность наиболее экономично использовать элементы конструкций и имеет прямое отношение к унифицированному массовому производству.

Практическая задача метода состоит в выборе серии одного или нескольких объектов, имеющих функциональную значимость. Комбинаторика дает возможность дизайнеру совершенствовать свою деятельность в двух направлениях:

1. создавать новые структурные построения,

2. варьировать исходные элементы.

Ткани В. Степановой и Л. Поповой явились одним из немногих реализованных достижений производственников. Принципы создания этих тканей:

1. соответствие рисунка назначению ткани (для платья, для халата, занавески, скатерти)



2. соответствие его технологии производства (печать). Учитывались также особенности использования ткани при изготовлении массовой одежды. Следовательно, подход к рисунку ткани был глубоко функциональным, не только художественно, но и технически оправданным.

Примерно те же принципы были заложены и в проектах костюмов – прежде всего их целесообразность, их профессиональная оправданность и удобство для данной функции (работа, отдых, спорт), удобство и технологичность их массового пошива, их конструктивность.

Комбинаторика оперирует определенными приемами комбинирования: перестановкой, вставкой, группировкой, переворотом, организацией ритмов.

Прием перестановки, или эвристическое комбинирование, предполагает изменение элементов, их замену. Этот прием получил широкое применение в проектной практике как наиболее простой и дающий достаточно неожиданные результаты. Его можно охарактеризовать как комбинаторный поиск компоновочных решений. Этот прием часто используется при вариантном применении деталей изделия на одной конструктивной основе, при компоновке деталей одежды по всему изделию, при замене одних деталей другими. Например, замена воротников карманами, поясами, сумками, трансформирующимися полотнами в виде квадратов, треугольников, кругов. Авангардисты в моде с успехом используют этот метод проектирования, так как в процессе свою первоначальную идею можно довести до гротеска, абсурда, а потом найти в этом рациональное зерно решения.

Прием вставок (врезок) используется для создания сложной формы из простой. Для этого можно взять любую простую давно известную форму одежды: прямую, расширенную или зауженную книзу юбку, платье такого же силуэта, рукава, капюшоны, сумки, головные уборы. Другими словами, взять любую цилиндрическую или коническую форму, разрезать ее в определенном направлении (вертикально, горизонтально, диагонально или смешанно) по боковым швам, в других местах (можно соблюдать равные расстояния между разрезами или располагать разрезы в динамическом ритме). Вставить в разрезы плоские куски ткани простой геометрической формы (квадрат, прямоугольник, треугольник, круг, полукруг, сектор, трапецию и т.д.). Можно вставить любые сложные формы. Число вставок может быть любым.

Трансформация (от лат. – превращение) – метод превращения или изменения формы, часто используемый при проектировании одежды. Сам процесс трансформации определяется динамикой, движением, изменением. Трансформация осуществляется следующим образом:

· Превращение одной формы в другую (например, была длинная юбка, стала короткой при помощи кулисок; шапка-ушанка, складная сумка);

· Трансформация деталей внутри одной формы (например, концы воротника загибаются, складываются в гармошку, завязываются вокруг шеи, заплетаются в косичку).

Процесс превращения может носить бесконечный характер, т.е. вариантов изменений можно придумать много. В этом есть положительный момент, так как изделие вследствие своей многообразности не надоедает и срок его эксплуатации продлевается.

Кинетизм (от греческого – приводящий в движение) – комбинаторный метод проектирования, в основе которого лежит идея движения формы, любого ее изменения.

Метод кинетизма заключается в создании динамики форм, декора, рисунков тканей, а также демонстрация движения в естественном виде. Идея движущейся формы принадлежит художникам советского авангарда 1910-1920-х гг. – конструктивистам Татлину, Мельникову, Родченко. В Европе в 1920-1960-х гг. идеи кинетизма развивали Мохой-Надь, Дюшан, Сото, Шоффер. Первые опыты создания движущихся моделей проводились в Баухаузе и ВХУТЕМАСе

Исторически признаки кинетизма можно проследить в народных праздниках (движущиеся объекты, марионетки, игры с фейерверками), механических игрушках, часах, музыкальных шкатулках. Средневековые представления всегда использовали динамику света и динамику объектов.

Кинетизм как система эстетических взглядов сложился в условиях развития технического прогресса, когда художники использовали новейшие достижения технологии, инженерной мысли и науки, нашедшие отражение в дизайне, телевидении, театре, массовых праздниках, профессиональных дефиле, компьютерной графике, лазерных шоу, оформлении городской среды.

В дизайне одежды метод кинетизма используется все шире, особенно в профессиональных показах: в динамике трансформирующихся деталей костюма, в применении светящихся объектов, световодов, автономного освещения, крутящихся или движущихся элементов костюма. Особое место занимает создание моделей, даже целых коллекций, в стиле «оп-арт» с использованием графических иллюзий, например движения, в декоре или в рисунках тканей, трикотажных полотнах, украшениях.

Оп-арт возник как авангардистское течение в западноевропейском искусстве 1950-1960-х гг. Большинство оп-художников заранее составляли свои геометрические образы, используя научные теории, позволяющие создать ощущение подвижности. При этом достигался необычный в искусстве результат, вызывающий физический, а не эмоциональный или психологический отклик. Композиции оп-арта основывались на игре фигуры и фона, эффектах обмана зрения, использовании прозрачных материалов. Основатель течения – итальянских живописец и график В.Вазарели с 1930 г. жил и работал в Париже. Его произведения следуют оптическим закономерностям взаимодействия черного и белого. Оп-арт стал очень тенденциозным жанром и оказал большое влияние на моду.

Этот прием проник в современное моделирование промышленных изделий – орнаментальные графические работы переносятся один к одному на трикотажные или тканые полотна.

Идея кинетического рисунка стала чрезвычайно интересной для художников по текстилю, так как позволяет создать необыкновенные и парадоксальные эффекты графики. Кинетизм дает возможность создать мощную динамику внутри статичной формы. Таким образом, метод кинетизма как проектный метод – достаточно новый в дизайне одежды, но имеет устойчивую тенденцию к расширению его использования.

Применение модульного проектирования в производстве изделий дизайна есть высшая форма деятельности в области стандартизации. При этом стандартизация выявляет и закрепляет наиболее перспективные методы и средства проектирования. Этот метод способствует унификации структурных элементов изделий. В технике наличие унифицированных узлов и деталей и установка их в различных сочетаниях позволяют преобразовывать конструкции одних изделий в другие. Основной принцип унификации – разнообразие продуктов дизайна при минимальном использовании унифицированных элементов (модулей). Модульное проектирование предполагает конструктивную, технологическую и функциональную завершенность. Сам модуль может быть законченным изделием или являться составной частью изделия, в том числе другого функционального назначения.

Модуль – единица меры. Раньше части тела человека служили единицами измерения: дюйм – длина сустава большого пальца; фут – средняя длина стопы человека и др. Применение модуля в архитектуре прошлого несло в себе художественное начало, служило средством гармонизации целого и его частей.

Модуль – это исходная единица измерения, которая повторяется и укладывается без остатка в целостной форме (объекте). Кратность (укладываемость модуля без остатка) позволяет собирать различные формы и обеспечивает их взаимозаменяемость. Современный архитектурный модуль равен 10см, укрупненный строительный модуль – 30 ил 40 см, оборудование интерьера строится на модуле 5 и 15см.

Вариантность художественных форм, т.е. возможность из ограниченного числа типов создавать разнообразные произведения, - одна из особенностей народного творчества. Как правило, все народные орнаменты состоят из ограниченного числа элементов, с помощью которых создается бесчисленное число мотивов. Таким образом, использование модулей – это не новый прием, им пользовались всегда в архитектуре и прикладном искусстве.

Модули могут быть одинакового размера, который выбирается от размеров антропологии тела человека и оптимальных размеров готовой одежды. Модули, как правило, имеют простые геометрические формы. Технологически каждый модуль обрабатывается отдельно. Главная особенность модуля в дизайне одежды – он обрабатывается «чисто» с лица и с изнанки. Если модули сшиты из двух материалов или из одной ткани двух цветов, то их можно переворачивать и использовать для составления двухцветных или двухфактурных полос, клеток, орнаментов.

Модули могут быть в форме квадратов, прямоугольников, треугольников, кругов и ромбов.

Способы соединения модулей: с помощью завязок, ленточек, бантов, узлов – торчащие концы могут создать дополнительный декоративный эффект; незаметно с помощью крючков, «липучек», супатных застежек. Можно соединить модули кнопками, пуговицами, если применяется метод трансформации – изменения формы изделия, его назначения, ассортимента.

Причины изменения формы:

1. из маленькой формы сделать большую и, наоборот, из короткого – длинное и наоборот – прием модульного свертывания и модульного развертывания.

2. из простой формы составить сложную и наоборот (к жилету пристегнуть или привязать модули и получить длинное пальто с капюшоном, кокетками, карманами, сумками и головными уборами; из простых модулей составить сложный орнаментальный узор, который органично впишется в изделие).

3. изменяя форму, изменить назначение изделия (был жилет – стало пальто – верхняя одежда).

Можно из одинаковых модулей составлять разные изделия: жилеты разной длины и формы, сарафаны, юбки разной длины блузоны, полупальто, пальто и др.

Форма модулей может быть более сложная: в виде цветов, листьев, бабочек, зверей, птиц. Модули разной конфигурации могут создавать сложные варианты комплектования одежды, наслаиваясь друг на друга. Интересные формы получаются при моделировании из модулей семейства головных уборов или сумок.

Достоинство модульного проектирования состоит в том, что технологическая обработка модуля очень проста, ее может выполнить неквалифицированный специалист даже в домашних условиях. Проектирование и сборка фрагментов в разнообразные изделия таят огромные возможности. К сожалению, такой прием проектирования применяется редко.

Деструкция (от лат. – разрушение) – в истории искусства качество формы, противоположное конструктивности (построение) и тектоничности (строение, искусство построения), выражению внутренней конструкции на поверхности формы. К конструктивным стилям классического искусства относят произведения античной классики, архитектуры Классицизма, к деструктивным – Барокко, к атектоничным – произведения Модерна. В отношении искусства постмодернизма используют термин – «деконструкция».

Термин «деконструкция» означает, что мы разбирает одежду на составные части.

По одним данным метод был предложен японскими дизайнерами Е.Ямамото и Р.Кавакубо в начале 1980-х гг, а затем разработан представителями «бельгийской школы» в дизайне одежды, по другим - стиль зародился в Антверпене, Бельгия. Основоположники стиля Мартин Маржиела (родился в 1957г.), Анн Домельмейстер (родилась в 1959 г.), Дрис Ван Нотен (родился в 1958 г.) и Уолтер Ван Биерендонк. Все они – сторонники деконструкции, хотя прошли школу традиционного кроя и техники отшива изделий в ателье Парижа, Милана или лондонской Сэвайл-роу.

Несмотря на общее происхождение и воспитание, каждый из дизайнеров имеет свой почерк, который отражает мрачноватую североевропейскую эстетику, но сохранил собственную индивидуальность. Ключевыми для Дрисса Ван Нотена являются этнические мотивы и цвет в сочетании с дикой какофонией рисунка и текстуры на длинном слоистом силуэте. Демельмейстер известна своими необычными наложениями материалов и новаторскими формами. Мартин Маржиела радикально изменил представление о дизайне, перемещая по телу отверстия для рук, переворачивая силуэты вверх ногами и выставляя напоказ внутренние швы пиджаков и пальто.

Этот метод также использовали Ж.-П. Готье и Дж. Гальяно.

Метод деконструкции представляет собой свободное манипулирование формой и посадкой изделия на фигуре. Используются: асимметричный крой, неровные края одежды, разрывы, прорези и дырки, деление конструкции на правую и левую половины, инверсия (швы наружу, лацканы на спине, застежки в нетрадиционных местах, вытачки «налицо»), элементы незавершенности, нарушение традиционной технологии.

Метод инверсии довольно часто используется при деконструкции, так как разрушает привычные приемы моделирования одежды. Примеры применения этого метода в дизайне одежды:

· одежда, сшитая швами наружу,

· сумки с множеством внешних карманов, но пустые внутри,

· двухсторонние пальто, плащи, костюмы, жилеты, которые можно носить на обе стороны,

· превращение нижнего белья в одежду,

· вынесение лейбла фирмы на лицевую сторону изделия.

Инверсия способствует всестороннему развитию гибкости мышления дизайнера и позволяет получить совершенно новые, порой парадоксальные решения.

В 2000-2001 гг. деконструкция изменилась в сторону большего разрушения привычных комплексов одежды:

· блузы, майки, куртки с одним рукавом,

· брюки с одной штаниной, половина юбки плюс одна штанина и др.

Изменились способы ношения одежды. Сказалось сильное влияние стиля «грандж»: нарочитая небрежность, наслоение вещей с разной длиной. Центральным образом, характеризующим этот стиль, стала маргинальная личность (бомж, бродяга, нищий), что дало основание для определения этой тенденции в массовой моде как «маргинальный шик». Стиль «грандж», сформировавшийся в начале 1990-х гг., утвердил право своих приверженцев выглядеть неряшливо. Его с восторгом приняли все принципиальные противники официальной моды – от уличных подростков до радикальных поп-звезд. «Грандж» - это поношенные, даже рваные вещи, которые явно малы или велики, не сочетаются друг с другом по цвету и по стилю. Первые адепты новой эстетики выискивали одежду в магазинах «сэконд-хэнда», но вскоре дизайнеры подхватили идею и манекенщицы, одетые в стиле «грандж», появились на подиумах.

Деконструкция стала отличительной чертой дизайна конца 1990-х – начала XXI в., часто применяемым приемом проектирования одежды. Она обусловила более свободное отношение к посадке одежды на фигуре, наличие заминов, пространства и воздуха между тканью и телом, что сделало одежду более комфортной. Деконструкция предложила разрушение устойчивых комплексов классического костюма и новые способы ношения одежды.

 

Вопрос 48. Мода. Определение понятия «мода». Терминология моды. Авторы и соавторы моды. Эволюция представлений о моде

 

ХХ век продемонстрировал наивысшее увлечение модой, благодаря развитию способов производства массовой продукции и совершенствованию средств коммуникации. Одежда стала чем-то вроде валюты, которая определяет, кто чего стоит, хотя бы внешне.

Бурный рост пользующихся спросом товарных марок в 1980-х годах и почти обожествление моделей, которое началось в 1970-х, а также необычайная популярность таких модельеров, как Шанель, Донна Каран, Кельвин Кляйн, Версаче, - все это свидетельствует об огромном влиянии моды на все без исключения слои общества. Мода ухитряется с безошибочной точностью выявлять настроение времени, в совершенстве регистрируя эмоциональное состояние мира. Так, отнюдь не случайно в 1920-е годы были модны мальчишеские фигуры и перевязанные груди (как следствие гибели большого числа европейских мужчин в Первой мировой войне), а в 1980-х годах предпочитали подплечники и пышные прически.

Модная одежда – жизненно важная составляющая культуры ХХ века. В современном мире, который все чаще сталкивается с визуальной метафорой, важен внешний вид человека и всепроникающая мода предоставляет инструменты для его создания. Невозможно представить себе 1970-е годы без мини-юбки, а убийство Кеннеди без испачканного кровью костюма от Шанель Жаклин Кеннеди, или войну во Вьетнаме без камуфляжа.

Мода фактически представляет собой форму выражения принадлежности к определенной общности людей и способ четко обозначить, кто мы такие.

Мода является одной из форм массового поведения в современном обществе. Исходя из этого, существуют следующие определения понятия «мода»:

Мода – это особый способ, образ, мера обработки социальной информации (определение психолога Л. Петрова);

Мода – тип реагирования, свойственный значительному количеству людей. Она зачастую проявляется как периодическая смена объектов выбора, как новый образ действия или мышления (определение американского социального психолога Э. Богардуса);

Мода – серия повторяющихся изменений в предпочтениях социальных групп (определение американского социального психолога Э. Росса);

Мода наряду с обычаем и социальными институтами (правом) является формой социальной регуляции поведения. Мода – специфическая регуляция, обусловливающая периодическую смену и циклический характер развития образцов массового поведения (определение российского теоретика моды А. Гофмана).

Мода распространяется на все явления культуры – на все, что относится к материальным и духовным ценностям и находится в процессе изменения: искусство (живопись, литературу, музыку, театр, кино, дизайн), науку, технику, политику, спорт.

Мода влияет на все предметное окружение современного человека – оформление интерьеров и витрин магазинов, дизайн бытовых приборов и организацию массовых праздников, индустрию развлечений.

Но чаще всего мода проявляется в оформлении внешности человека – в его прическе, макияже, манере поведения, в его вещном окружении.

Какова же первопричина, заставившая человека наряжаться? Вероятнее всего, страстное желание изменить свой природный облик. Птицы имеют перья, рыбы – блестящую чешую, звери – пушистый мех, цветы – краски, и только человек появляется на свет абсолютно голым. Обнаженное тело дано нам для творческого преображения. Ради этого человек заимствует у природы все возможные материалы. Изменить себя, во что бы то ни стало – вот изначальный толчок к возникновению одежды, костюма, причесок.

Но никто ни в одну эпоху не мог остаться модником навсегда. Едва достигнув результата, восхищающего всех, мода, как вечный двигатель, начинает новое движение. Она постоянно разрушает старые формы, чтобы освободить место для появления новых.

Мода в современном понимании – как частая смена типов и фасонов одежды – была детищем эпохи Возрождения. Начиная с XV века, эта область массового приложения творческих сил модников, художников, портных. В ней воплотилась жажда разрушения привычного, традиционного и поиск нового, неизведанного.

Изучать моду, как особый феномен человеческой культуры начали еще в конце XVIII века, трактуя ее как эстетическое явление, связанное с изменением эстетического идеала и вкуса в области искусства и в костюме. Исследователи моды конца XIX – начала ХХ веков рассматривали моду, прежде всего как социальный и психологический феномен, анализируя социальные причины ее происхождения и развития, а также социальные, экономические и культурные последствия ее действия. Моду изучали с самых различных точек зрения – социальной психологии и психоанализа, с позиции экономики и культурологи. В каждом случае мода представала как важный компонент современного человеческого общества, определяющий динамику его развития.

Первые теории моды пытались объяснить суть этого явления и причины его возникновения. Первоначально моду относили исключительно к эстетической сфере, считая, что она представляет собой изменения эстетического вкуса и проявления художественного стиля. Смену мод объясняли старением канонов и идеалов. Такой позиции придерживались и некоторые ученые ХХ столетия (Ф. Фишер, Г. Лукач, Т. Адорно и др.). Мода рассматривалась и как особый вид художественной деятельности, в этом контексте ее создателями считают модельеров.

К эстетическому близок культурно-исторический подход, когда мода трактуется как один из способов распространения и функционирования феноменов культуры (стиля, вкуса и т.п.). Под модой понимается также совокупность культурных форм в определенных социальных и исторических условиях. Смена мод связана с изменениями в культуре, экономике, образе жизни, с социальными потрясениями. Такой подход к изучению моды был особенно характерен для историков искусства и костюма (Ф. Готтенрот, Г. Вейс, А. Банах, Э. Тиль, Я. Бурхард, Ж. Вильгельм и др.).

Поиски причин изменения моды привели к исследованию ее с точки зрения индивидуальной и социальной психологии.

Антропологические теории ищут причины возникновения и изменения моды в особенностях психологии индивидуума. С этой точки зрения мода является результатом врожденного стремления к обновлению и удовлетворяет психологическую потребность человека в новизне, выступая как особый способ эмоциональной разрядки. Так, психолог Л. Петров считал, что смысл существования моды – «периодическое радикальное (раз в шесть – восемь лет) изменение, встряска, с помощью которой человек освежает свои ощущения». Кроме того, мода позволяет реализовать потребность в самовыражении, разрешить конфликт между стремлением индивидуума к свободе и необходимостью подчиняться диктату общества. Немецкий социолог Г. Зиммель еще в конце XIX века определял моду как компромисс между тенденцией к социальному уравниванию и склонностью личности к проявлению собственной индивидуальности.

Свой вклад в исследование вопроса внесли психоаналитики (З. Фрейд, Э. Фромм и др.). Психоаналитические теории связали моду с подсознательными процессами. Основной причиной ее возникновения они считали комплекс неполноценности: модные изменения позволяют компенсировать отсутствие престижа и создают иллюзию перемен в жизни человека. Помимо этого мода выражает сексуальные потребности человека, служит важным элементом социального и сексуального соревнования.

Еще в 1904 году немецкий социолог и философ Георг Зиммель в своей работе «Мода» (Fashion) предложил так называемую элитарную теорию «про­сачивания вниз» (trickle down). Суть теории состоит в том, что в основе fashion-транс­формаций лежит стремление низших соци­альных слоев максимально копировать тот стиль одежды и ту моду, которые определя­ют высшие слои. При этом, как только высший класс осознает, что его одежда скопирована, он прилагает все возможные усилия к смене стиля и моды. Этот процесс «просачивания вниз» стилей и моды от выс­ших слоев к низшим бесконечен.

В 1912 году американский экономист и социолог Торстейн Веблен в работе «Теория праздного класса» развил теорию Зиммеля, персонифицировав ее. По Веблену, развитие благосостояния общества приво­дит к формированию у индивидуума жела­ния демонстрировать предметы одежды и аксессуары, прямо отражающие инфор­мацию о возросшем благосостоянии этого индивидуума. Таким образом, одежда и ак­сессуары становятся иконическими знака­ми благосостояния своих владельцев.

В 1950-1960 гг. в связи с процессом де­градации индустриального общества и развитием информатизации - радио и телеви­дения две вышеприведенные теории были подвергнуты сомнениям и в корне пересмот­рены. Так, в 1963 году американский маркетолог Чарльз Кинг предложил теорию «гори­зонтального распространения» fashion-тен­денций (уже маркетолог, и уже тенденции, а не трансформации стилей и моды). По Кин­гу, модные тенденции синхронно распро­страняются одновременно среди всех социальных слоев, ибо программы радио и в осо­бенности телевидения одинаковы для всех слоев общества. Потребители свободны в своем выборе, а все fashion-продукты дифференцированы по цене и качеству - следо­вательно, нет рациональной необходимости слепо подражать моде высших классов.

Наконец, в 1970 году Джордж Филд в ра­боте «Феномен изменчивого статуса - на­правленная вверх диффузия инноваций» предложил теорию «просачивания вверх» (trickle up). Согласно Филду, теперь уже не высший класс определяет статус моды и ее стили, а инноваторы моды - моделье­ры обращаются к низам или представите­лям субкультур, которые и диктуют моду в обществе. Fashion-индустрии остается только адаптировать эти символы субкуль­тур к обществу в целом, запустив их в мас­совое производство. Именно так возникли стили hippie, punk, grunge, military, этниче­ские мотивы Африки, Японии и пр.

Американский социолог Г. Блуммер указал на то, что в ХХ веке возросло значение средних и низших классов и новая мода часто возникала именно в этих кругах (танго, джаз, джинсы).

Сторонники социологического подхода (Т.Веблен, М.Вебер, Д.Рисман, Р.Барт и др.) рассматривают моду как отражение статуса той или иной социальной группы, который влияет на поведение человека в сфере потребления, формируя образы вещей – символов престижа. Изменения моды связаны с «износом» этих символов: один модный образец уступает место другому, поскольку утрачивает значение престижа. Мода является формой социальной регуляции поведения человека, приобщая его к определенной среде норм и ценностей.

Экономический подход к изучению моды трактует ее как эффективное средство расширения сбыта и форму рекламы товаров, выявляет связи моды с экономическим развитием. Мода формирует запросы массового потребителя, заставляя покупателей приобретать вещи сверх их реальных потребностей. Механизмы рыночной экономики включают планируемое устаревание вещей.

Мода «от кутюр» и мода «прет-а-порте»

 

Термин Haute Couture в буквальном переводе с французского «высокое шитье». В наши дни под ним понимают создание одежды самого высокого класса и обычно переводят как «высокая мода». Центром от-кутюр является Париж, где находится Палата (или Синдикат) высокой моды. Она определяет статус модельеров (члены Палаты, члены-корреспонденты, а также приглашенные члены, которые со временем могут быть приняты в Палату), занимается организацией и показом коллекций Домов высокой моды (в январе и июле), поддерживает связи с прессой и магазинами во всем мире.

Чтобы быть причисленным к Домам от-кутюр, надо соответствовать целому ряду строгих требований. Во-первых, все производство – центральное ателье, мастерские, магазины – должно находиться в Париже. Дом обязан иметь не менее 15 служащих и представлять коллекции два раза в год: в каждом дефиле по 35 платьев для дня и для вечера. (В 2001 году правила приема в Палату несколько упростились).

В 1946 году существовало 106 модных домов, а к 1997 году их осталось только 18. В 2001 году в Синдикат входили следующие Дома: Balmain, Chanel, Christian Dior, Christian Lacroix, Emanuel Ungaro, Givenchy, Hanae Mori, Jean-Paul Gaultier, Lecoanet Hemant, Louis Feraud, Thierry Mugler, Torrente, Yves Saint Laurent, Viktor & Rolf. Дома, чьи штаб-квартиры находятся за пределами Парижа, являются членами-корреспондентами Палаты. Сегодня это Versace и Valentino.

Как правило, сотрудники имеют узкую специализацию, кто-то работает с перьями, кто-то – с вышивками и т.д.

Платье от-кутюр выполняется почти целиком вручную и только в одном экземпляре. Каждая модель требует от 100 до 400 часов работы.

Сегодня помимо одежды жизнь Домов от-кутюр в основном поддерживается сложной индустрией производства парфюмерии, косметики, аксессуаров и даже запуском линий прет-а порте.

Хотя высокая мода не для всех, а лишь для избранных, именно ей посвящены заголовки и колонки статей, потому что она является плодотворной почвой для новых идей. Это своего рода квинтэссенция портновского искусства – мода ради самой моды – и здесь рождаются на свет уникальные изделия, предназначенные исключительно для дефиле.

«Произведения высокой моды должны быть смешными, глупыми и почти непригодными для ношения» (Кристиан Лакруа, 1987г.).

 

Pret-a-porter (готовый к ношению, готовое платье— франц.). В течение ХХ века фабричное и поточное изготовление одежды почти вытеснило портновское ремесло с его эксклюзивностью и неторопливостью.

Мода превратилась в колоссальную индустрию с центрами по всему миру. Впервые лицензионное создание копий для более широких слоев населения ввел Чарльз Ворт. Он продавал образцы своих моделей в ателье или крупные магазины по всему миру.

С момента появления индустрии готового платья она прошла путь от производства низкосортной дешевой продукции или полуфабрикатов до сложной и многообразной системы изготовления одежды. В рамках прет-а-порте сформировались свои художественные школы, центры моды, круг модельеров и клиентов, а также тонкая градация качества и цен.

Клиенты большей частью анонимны, никогда не видят автора, его идеи доносит до покупателя реклама и средства массовой информации. То, что демонстрируется на подиуме, является частью замысла, выражением идеи коллекции, которая затем поступит в магазины, и будет рассматриваться как модное направление.

Ранги прет-а-порте: люкс (изготавливаются в нескольких экземплярах), прет-а-порте высокого качества (100-200 экземпляров), классическая категория (большие тиражи), разряд вещей, не имеющих тиражных ограничений.

Если на заре становления индустрии прет-а-порте (начало ХХ века) одежда производилась под маркой фабрики или сети универмагов, то по мере ее развития готовое платье делалось все более разнообразным, и у него появился автор – дизайнер.

В массовом производстве предпочтение отдается классическим силуэтам, тканям и дизайну, проверенным временем, к которым иногда добавляют модные детали.

 

Структура моды состоит из следующих элементов:

o модные стандарты – способы или образцы поведения и действия;

o модные объекты, которые могут быть материальными и нематериальными: вещи, слова, идеи, свойства объектов;

o модные значения или ценности моды;

o модное поведение участников моды – поведение, ориентированное на модные стандарты, объекты и ценности.

Когда модный стандарт или объект приобретает модное значение (т.е. большое количество людей считает его модным), он «входит в моду», когда он утрачивает модное значение – «выходит из моды».

Каждое проявление моды предоставляет возможность ее последователям стремиться к достижению определенных целей: казаться современными, выделяться или, наоборот, не выделяться в толпе, сообщать окружающим определенную информацию о себе. Роль моды как средства общения особенно велика в современных крупных городах-мегаполисах, где общение между людьми носит поверхностный и кратковременный характер, и информацию о человеке передает его костюм – как правило, ту, которую он сам хочет сообщить.


<== предыдущая страница | следующая страница ==>
Вопрос 39. Эвристика. Эвристические методы в проектировании костюма | Ценности моды

Дата добавления: 2014-02-26; просмотров: 2184; Нарушение авторских прав


lektsiopedia.org - Лекциопедия - 2013 год. | Страница сгенерирована за: 0.008 сек.